Lino del Fra, Antonio Gramsci, “I giorni del carcere”, 1977 (italiano con subtítulos en español)

La Espina Roja: Drama biográfico que recorre el complejo devenir personal e ideológico de Antonio Gramsci.

Ali Akbar Sadeghi, animación inspirada en el Shahnameh, 1975

Ali Akbar Sadeghi (n. 1937) es uno de los artistas contemporáneos iraníes más representivos. Como pintor ha trabajado todas las técnicas y medios, inspirándose en la cultura popular iraní., y es un profesor de vocación, primero en la enseñanza secundaria y luego en la Universidad. Participa desde su fundación en el Centro para el Desarrollo Intelectual de la Infancia y la Juventud y fue uno de los fundadores de su Departamento de Animación. Tras la Revolución fundó en Teherán la Galería  Sabz para la promoción del arte iraní contemporáneo. El presente vídeo es un trabajo inspirado en el Shahnameh, La épica de los reyes, epopeya nacional persa escrita por Ferdowsi en el año 1000.

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Manuel Huerga, “Salvador”, 2006

A principios de los años setenta, el Movimiento Ibérico de Liberación, formado por un puñado de militantes españoles y franceses muy jóvenes, pone en jaque a la policía, al cometer varios atracos en Cataluña con el objetivo de financiar a los sectores más combativos del movimiento obrero antifranquista. En un primer momento, el éxito de sus acciones espectaculares, provocadoras e irreverentes, proporciona a los jóvenes del MIL una sensación de invulnerabilidad que termina bruscamente en septiembre de 1973, cuando efectivos de la Brigada Político Social tienden una trampa a dos de sus militantes. En el transcurso de su detención se produce un confuso tiroteo en el que muere un joven inspector de policía. Salvador Puig Antich resulta gravemente herido y, tras pasar por el hospital, ingresa en la cárcel Modelo de Barcelona, a la espera de un consejo de guerra. A partir de ese momento, tanto sus hermanas como sus abogados inician, ante la indiferencia general, una carrera contrarreloj para salvar la vida al joven activista. Pero el 20 de diciembre de 1973 se produce el atentado de ETA contra el presidente del Gobierno Franquista, el almirante Carrero Blanco, y, Salvador Puig Antich se convertirá en el chivo expiatorio que un sector del Régimen reclama. Sigue leyendo

Francis Thompson, NY, NY: A Day in New York, 1957

Cortometraje en color de 15 minutos que torna la vida cotidiana de la calle en un caleidoscopio surreal que distorsiona, fractura y multiplica imágenes familiares, convirtiéndolas en una original experiencia visual.

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Alexander Sokurov, Sonata dlya Gitlera (Sonata para Hitler), 1979-1989

Sonata dlya Gitlera (Sonata para Hitler, 1979-1989) emplea material de archivo alemán y ruso sobre Hitler y el final de la II Guerra Mundial. La película fue terminada en 1989, pero ya existía a versión preliminar en 1979. Se trata de una obra en la línea del documental soviético “a gran escala” de 1965 El fascismo ordinario de Mijail Romm; pero el empleo del poder expresivo del documento es muy diferente en Sokurov. Este no intenta, como Romm, reunir gran cantidad de material para demostrar profusa y convincentemente la magnitud de los crímenes del nazismo, sino que se centra, más bien, en presentar una visión histórica general de la catástrofe nazi desde una perspectiva más psicológica que político-moral, tratando a los criminales también como víctimas de sus propias acciones: la ejecución de los generales de Hitler, la desesperación miserable del Führer derrotado, la vergüenza del pueblo alemán. Todo ello puede leerse entre líneas en comparación con la propia historia soviética, nación victoriosa ante el nazismo que producía al mismo tiempo su propio dictador (por ejemplo a través de la cuidadosa numeración de los materiales empleados, con fechas que marcan las muertes de Hitler y Estalin: 1945 y 1953 respectivamente).

Alexander Sokurov (n. 1951) director ruso, hijo de un militar veterano de la II Guerra Mundial. Estudió historia en la Universidad de Gorky mientras trabajaba para la televisión local. En 1974 comenzó a trabajar como productor del Instituto Sindical Cinematográfico de Moscú (VGIK). Fue un estudiante polémico, ganador de la beca Eisenstein y enfrentado con la Oficina Estatal de Cinematografía (Goskino), que le acusó de antisoviético. Su primera película, La solitaria voz del hombre, que se basa en una historia del escritor Andrei Platonov; fue rechazada como proyecto de fin de carrera y Sokurov debió examinarse externamente. Tras graduarse trabajó en los estudios Lenfilm y en el Estudio de Documentales de Leningrado, aunque ninguno de sus documentales de la época fue aprobado para visionarse hasta las reformas políticas de mediados de los ochenta. Fue entonces cuando Sokurov adquirió talla internacional. Comenzó a dar clases de dirección cinematográfica en Lenfilm y, en 1998-1999, presentó su propio programa de televisión, Ostrov Sokurova (La isla de Sokurov), donde trataba del lugar del cine en la cultura moderna. A finales de la década recibió numerosos premios, entre ellos el FIPRESSI, el Tarkovsky, el Premio Nacional de Rusia y el Tercer Milenio.

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Francisco Vargas, El violín, 2006

Alfredo Hidalgo Nieto. En pleno auge del cine mexicano, justo cuando nuestros braceros de lujo del nuevo cine picante de “Frijoliwood” se encuentran poniendo en alto nuestra bandera mediante la maquila creativa de la industria allende el otro lado, Francisco Vargas, calladamente –con una película musicalizada con silencios- logra un trabajo magistral con “El violín” (México, 2006). Se trata nada más y nada menos que una cinta galardonada con 33 premios a nivel mundial –contando y hasta la fecha-, siendo la más reconocida desde “Amores Perros” (González Iñárritu, 2000). De hecho, ambos filmes son los rodajes mexicanos –hechos con moneda azteca- más aclamados por la crítica, el público, el jurado y el periodismo mundial de toda la historia.
Por increíble que parezca, esta película apenas se estrena en México, después de haberlo hecho ya por varios países como Argentina, Brasil, Estados Unidos o Turquía, pero más increíble quizás, sea que sólo será distribuida con 20 copias, cuando por lo regular un largometraje comercial de ficción procedente de Hollywood y sin garantía de calidad, se le distribuye con 200 copias. No cabe duda que el “Poderoso Caballero”, impone a las masas conformistas las modas que sus cautivos ojos deben consumir cotidianamente.
La historia de este trabajo intrínsecamente mexicano, aunque con resonancias universales por sus simbólicas situaciones y anécdotas como la música y la guerra, se ubica en México de cualquier época “moderna”. Por supuesto que las cosas no han cambiado para sus protagonistas (los indígenas), después del logro de una Independencia (¿Para quién?), o de una Revolución interrumpida (Adolfo Gilly dixit). Y si reflexionamos un segundo, las cosas tampoco han cambiado prácticamente para el mundo rural autóctono, desde que los españoles vinieron a imponer su ley de fuego hace casi 500 años en nuestro país.
Francisco Vargas, con ésta su ópera prima basada en su anterior cortometraje del mismo nombre y con su mismo personaje principal (el músico Don Ángel Tavira), logra elucubrar una obra maestra de un tirón, desde su concepción argumental, los medios tonos de la fotografía de Martín Boege, la musicalización de sones calentanos guerrerenses de Cuauhtémoc Tavira y el sonido rulfiano de Isabel Muñoz, todos ellos colaborando para un verdadero cine de autor de Vargas, quien habría realizado anteriormente un documental sobre el mismo Don Ángel Tavira, octogenario de la sierra de Guerrero, denominado “Tierra Caliente… se mueren los que la mueven”. Ahora con este largometraje de ficción “El violín”, México se mantiene como un verdadero estandarte del cine latinoamericano, ya sea realizado con dinero del primer mundo o del tercero.
Aunque la cinta versa sobre un tema manejado en algunas ocasiones (militares en busca de guerrilleros de las montañas), de ninguna manera nos da la impresión de haber visto algo parecido como este filme. Su estilo es monocromático, pero con el efecto deseado para resaltar los sonidos del silencio campesino, los paisajes desoladores de un “Pedro Páramo”, los pensamientos internos de sus personajes, y los diálogos económicos que recuerdan las obras teatrales del británico Harold Pinter. Y más aun, Pinter tiene una pieza dramática poco conocida intitulada “La lengua de las montañas”, cuya versión mexicana adaptada por Teresa Pacheco “Los hombres sin voz” (teatro amateur del CCH, 1996, a su vez inspirada por los hechos de Chiapas en 1994), pareciera ser una de las fuentes de ilustración de esta película.
La sinopsis es sencilla, pero muy paradigmática sobre lo que acontece hoy en día, incluso los referentes aún, son los periódicos de estas fechas, nos remiten a casos como los de Zongolica, Veracruz y La Montaña, en Guerrero, donde los militares plenos de la impunidad que representan sus uniformes, ejercen la represión descerebrada sobre las pequeñas comunidades indígenas originando matanzas como en Acteal, Aguas Blancas, Ocosingo, El Charco, Oaxaca, etc. En realidad, el argumento afronta con realismo extremo, al estilo de Vitorio de Sica y Luchino Visconti en su mejor neorrealismo italiano, aunque el manejo ambiental del sonido es complementado con las cuerdas típicas de nuestro país, con ese instrumento austero adoptado por los mexicanos como una forma de ancestral: el violín, que sin él, no se comprendería el mariachi, el huapango, los sones huastecos, las bolas, el son calentano, etc.
Por lo tanto, a pesar de tratarse de un trágico y crudo retrato a rajatabla, el director mantiene un refinamiento cinematográfico, con ese apoyo histriónico de sus intérpretes, Gerardo Taracena (Ariel por coactuación masculina 2007) en su papel de Genaro –en alusión a Genaro Vázquez, guerrillero rural de los 70’s, Silverio Palacios en su rol de líder alzado, o Dagoberto Gama como el capitán militar. Sin olvidarnos –por supuesto- del eje de la cinta: el sonero y debutante como actor Don Ángel Tavira, quien representa a Plutarco Hidalgo, cuyo nombre alude a Plutarco Elías Calles “Jefe Máximo de la Revolución” y fundador del PRI –el paternalismo de una revolución que no termina de empezar, ni ha hecho justicia- por el otro lado, sugiere a Miguel Hidalgo, la inobjetable antorcha pionera de los alzamientos indígenas –como el alma entrañable de todo oprimido.
En la secuencia final, aparece el nieto de Plutarco: el niño Lucio –tomado de Lucio Cabañas, insurgente guerrerense, también de los 70’s-, quien sólo canta una crónica de las situaciones, mientras pide monedas con su hermanita. Abandonan el lugar, huérfanos y con hambre, sólo heredan una guitarra y una pistola recuperadas, caminan por la carretera, la ruta incierta para encontrar el consuelo de los muertos de siempre… los hombres sin voz.

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Buster Keaton, El maquinista de La General, 1927

Película muda de 1927 dirigida por Buster Keaton y Clyde Bruckman. Con rótulos en inglés y en castellano. Johnny Gray (Buster Keaton) es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). Al estallar la guerra de secesión, Johnny trata de alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que no va a luchar porque es un cobarde y, por ello, decide rechazarlo. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado tras las líneas confederadas le robe “La General” y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas.

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